“El amor descendió en Navidad”, dice el poema e himno navideño de Christina Rossetti, acertadamente titulado. La poeta inglesa del siglo XIX recuerda con dulzura la Natividad en la primera estrofa:
El amor descendió en Navidad,
el amor todo hermoso, el amor divino;
el amor nació en Navidad;
la estrella y los ángeles dieron la señal.
El poema de Rossetti venera la esencia de la Navidad: el nacimiento de Jesús, a quien los cristianos consideran el Hijo de Dios y quien descendió del cielo para la salvación de la humanidad. Los belenes y las pinturas conmemoran tradicionalmente esta auspiciosa ocasión.
Muchas pinturas religiosas que hoy se exhiben en galerías de arte y museos, y fueron en su día una parte importante de la arquitectura eclesiástica. Todo lo que los artistas representaban buscaba profundizar la fe de los feligreses. Cada tema bíblico guiaba a los cristianos hacia la salvación.
“Las imágenes y los ornamentos de las iglesias son las lecciones y las escrituras de los laicos”, escribió el prelado francés William Durand en el “Rationale Divinorum Officiorum”. El tratado, escrito alrededor de 1286, trataba sobre la liturgia y su simbolismo sagrado. Durand añadió: “Una cosa es adorar una imagen, y otra, mediante una imagen, aprender qué debe adorarse”.
Los cristianos reconocen al instante las escenas bíblicas representadas y, a menudo, los signos y símbolos tradicionales centenarios que se añadieron a estas obras sagradas. Pero muchos visitantes de museos y galerías de hoy probablemente pasen por alto estas señales.
Cualquiera que admire estas pinturas por afuera de su contexto religioso original puede quedar fascinado al descubrir que los signos y símbolos milenarios están ocultos a simple vista.
En su completo libro “Signos y símbolos en el arte cristiano”, el autor George Ferguson escribió:
"Un símbolo se asemeja a algo. Ha adquirido un significado más profundo que el signo, porque se identifica más plenamente con lo que representa, y su carácter se deriva de lo que se conoce mediante él. … Es en el simbolismo cristiano donde la universalidad de este lenguaje tácito alcanza su plenitud".
Qué mejor manera para apreciar el gran arte de la Navidad que redescubrir este lenguaje universal tácito en cuatro pinturas del Renacimiento italiano relacionadas con el nacimiento de Jesucristo: la “Anunciación”, “La Visitación”, “La Natividad” y la “Adoración de los Magos”.
La Anunciación
El joven Leonardo da Vinci (1452-1519) pintó el momento en el que el ángel Gabriel descendió del cielo y anunció a la Virgen María que había sido elegida para engendrar al Hijo de Dios.
“La Anunciación”, circa 1472, de Leonardo da Vinci. Óleo sobre tabla; 1,00 m x 2,25 m. Galerías Uffizi, Florencia, Italia. (Justin Benttinen/CC BY-SA 4.0)La tez clara de María y su cabello largo y rizado hasta los hombros tipifican el ideal de belleza renacentista. Ambas figuras llevan el cabello suelto, un peinado medieval que las mujeres solteras usaban como símbolo de pureza e inocencia.
Ambas figuras emanan luz divina. Un halo rodea la cabeza de María, y rayos dorados emanan de la corona de Gabriel. Parecen conversar mediante gestos con las manos en un lenguaje que solo conocen los seres celestiales.
Sobre un lecho de flores, Gabriel se arrodilla ante ella en un jardín amurallado u hortus conclusus, símbolo de la virginidad de María. Ella interrumpe su lectura y permanece serena al guardar su lugar en el libro abierto.
La túnica blanca de Gabriel representa su pureza e inocencia. La tela verde simboliza la esperanza, la renovación y el renacimiento espiritual, y su manto rojo simboliza el sacrificio. Sus alas imitan las de las aves. Sostiene un lirio blanco, otro símbolo de pureza y una referencia particular a la Virgen. Con la otra mano, ofrece a María una bendición.
El manto azul de María simboliza su divinidad. Según Ferguson "El azul, el color del cielo, simboliza el Cielo y el amor celestial. Es el color de la verdad, porque el azul siempre aparece en el cielo después de que las nubes se disipan, sugiriendo la revelación de la verdad". La franja de tela dorada que cubre su vientre representa lo divino y reafirma la noticia del nacimiento virginal a Gabriel. El adorno dorado en su muñeca podría representar el contenido sagrado del libro que toca. Y eleva la otra mano en un gesto sagrado.
Según la Galería Uffizi, el mecenas que encargó la pintura y su propósito original siguen siendo un misterio. Los expertos atribuyen la obra a Leonardo, durante su aprendizaje con Andrea del Verrocchio, pero se desconoce cuánto pintó Leonardo. La Galería Uffizi adquirió la obra de la Iglesia de San Bartolomé en el Monte Oliveto, en Florencia, Italia en 1867.
La Visitación
Durante la Anunciación, el ángel Gabriel reveló otro milagro. Isabel, la anciana pariente de María, estaba embarazada y en su sexto mes de gestación. Tras décadas sin poder concebir, Isabel y su esposo, Zacarías, prácticamente habían renunciado a la paternidad cuando ella quedó embarazada de su hijo, quien sería Juan El Bautista. Gabriel exclamó: "Porque para Dios nada es imposible" (Lucas 1:37). La noticia del embarazo de Isabel impulsó a María a viajar a Judea y apoyar a Isabel hasta el nacimiento de su niño.Jacopo Carucci (1494-1557), conocido comúnmente como Pontormo, pintó a Isabel y a la Virgen en un cálido abrazo, compartiendo la buena noticia de su embarazo. Se encuentran con sus acompañantes en una calle estrecha cerca de la casa de Isabel.
“La Visitación”, circa de 1528-1530, de Pontormo. Óleo sobre tabla; 1.90 m x 1.60 m., en la iglesia parroquial de San Miguel y San Francisco, Carmignano, Toscana, Italia. (Dominio público)Es una escena rica, colorida y expresiva. Halos tenues marcan su divinidad. Isabel lleva un velo blanco, el color de la pureza, y una túnica verde que representa la esperanza, la renovación y el renacimiento espiritual. María lleva un tocado rosa y un manto azul verdoso en lugar del tradicional azul real o lapislázuli. Sin embargo, el tono verdoso evoca el cielo despejado, representando la revelación de la verdad.
Pontormo plasmó la emoción del momento. Esto se revela en los rostros expresivos de las figuras y sus posturas dinámicas, como se evidencia en cómo Isabel levanta el pie del suelo. Según el Evangelio de San Lucas, la visita de la Virgen bendijo a Isabel y al aún no nacido San Juan Bautista, quienes reconocieron la presencia de Jesucristo.
El comerciante Bonaccorso Pinadori encargó a Pontormo la pintura de "La Visitación" para el retablo de la familia Pinadori. Desde entonces se exhibe en la iglesia parroquial de San Miguel y San Francisco en Carmignano, en la Toscana. Siglos de suciedad, barniz y repinturas en exceso, fruto de anteriores trabajos de conservación, oscurecieron los brillantes colores de la composición hasta su restauración en el 2018.
La Natividad
Según “The Oxford Companion to Art”, el belén representado en las artes visuales proviene de fuentes posteriores a los Evangelios. Desde principios del siglo IV los sarcófagos romanos mostraban la conocida escena de la Natividad: un granero con la Virgen sentada (simbolizando el nacimiento milagroso e indoloro), el niño Jesús recién nacido en el pesebre, con el buey y el burro cerca. A menudo asistían pastores y, en ocasiones, Reyes Magos.El artista Piero della Francesca (circa de 1415-1492) basó su pintura de la Natividad en las revelaciones de Santa Brígida de Suecia (circa de 1304-1373), una mística de finales de la Edad Media cuyas obras fueron populares en el siglo XV.
Para su pintura, adoptó poses clásicas para un coro de ángeles cantando, algunos de los cuales tocan instrumentos similares al laúd. María se arrodilla en oración, venerando al Niño Jesús que yace sobre su manto azul, simbolizando nuevamente la divinidad y la revelación de la verdad. María viste telas rojas y blancas, que simbolizan el sacrificio y la pureza, respectivamente. A lo largo de su cabello y alrededor de su cuello luce perlas, la gema de la pureza. Una vez más, su tez pálida y su cabello rubio representan el ideal renacentista de belleza.
“La Natividad”, 1470-1475, de Piero della Francesca. Óleo sobre tabla; 1,35 m x 1,35 m. National Gallery, Londres. (Dominio público .)José está sentado en su silla de montar, hablando con dos pastores. Lleva un manto rosa sobre una túnica oscura. Su pose refleja la del "Spinario", una famosa escultura romana antigua que representa a un niño sacándose una espina del pie. Un pastor señala al cielo, mientras que su cayado señala hacia María y Jesucristo. Refugiados en el establo, el buey y el burro rebuznante representan a todas las criaturas, grandes y pequeñas, que presenciaron el nacimiento del niño Jesús y lo reconocieron como el Hijo de Dios. El buey lo contempla, quizás enfatizando este punto.
Una urraca, a menudo símbolo de muerte y mortalidad, se posa en el techo del establo. A la izquierda del cuadro, tres pinzones se posan en el suelo rocoso, uno de los cuales parece un jilguero, símbolo de la Pasión de Cristo y señal de su sacrificio final.
La ausencia de sombras figurativas resalta el carácter sagrado de los temas y de la Natividad.
El artista creó la obra para el palacio de su familia en la Toscana, en la ciudad de Borgo Santo Sepolcro, hoy conocida como Sansepolcro. Inicialmente colgaba en el dormitorio principal. En lugar de situar la Natividad en Belén, pintó el paisaje de su ciudad natal, convirtiéndolo en un recordatorio cotidiano y pertinente de la presencia divina en su vida. La pintura permaneció en el palacio hasta 1825.
A lo largo de los siglos, una limpieza excesiva eliminó algunas capas de pintura, lo que llevó a algunos expertos a creer que la obra estaba inacabada. Entre 2019 y 2022 los restauradores recuperaron la obra a la intención original del artista.
La Adoración de los Magos
El artista Gentile da Fabriano (circa de 1370-1427) creó un retablo opulento y lleno de acción, la "Adoración de los Magos". Al fondo representó el viaje de los Magos. La brillante Estrella de Belén ilumina el cielo nocturno, anunciando el auspicioso nacimiento por toda la tierra. Halos dorados adornados con escrituras celestiales rodean las cabezas de la Sagrada Familia: María, José y Jesús. María lleva un velo dorado y un manto azul sobre una túnica roja. José envuelve su túnica marrón con un manto dorado. Los artistas tradicionalmente representan a José vestido con estos colores: el marrón simboliza la renuncia al mundo, y el amarillo dorado simboliza el sol y la divinidad.
“Adoración de los Magos”, 1423, de Gentile da Fabriano. Temple sobre tabla; 2.88 m x 2.90 m. Galerías Uffizi, Florencia, Italia. (Dominio público)Halos sencillos rodean las cabezas de los Magos. Llevan coronas opulentas y telas suntuosas. Las vides de granado trepan por uno de sus mantos; sus frutos rojo sangre evocan la Resurrección.
Tras dejar a un lado humildemente su corona, uno de los Reyes Magos se arrodilla ante Cristo. La postura del niño Jesús evoca la curiosidad natural de un bebé que intenta tocar a alguien. Sin haber desarrollado aún el control ni la fuerza corporal, se impulsa hacia adelante. María sostiene a su recién nacido, quien coloca la palma de su mano sobre la coronilla del Mago. La expresión solemne del niño Jesús transmite plena conciencia de su sagrada misión en la Tierra.
Aves y animales se encuentran presentes en todo el retablo, realzando su belleza y reforzando su contenido sagrado. El buey y el burro, los animales tradicionales, ocupan un lugar destacado. Pero también hay animales exóticos, como un mono encadenado, símbolo de la fe que vence al pecado y restaura la virtud. Otros símbolos sagrados incluyen a la paloma, que representa al Espíritu Santo, y el pelícano alimentando a sus crías. Ambos son sinónimos del sacrificio de Jesús en la Crucifixión.
La parte inferior del retablo muestra tres episodios de la infancia de Jesucristo: la Natividad, la Huida a Egipto y la Presentación en el Templo.
El banquero y mecenas Palla Strozzi encargó a Gentile da Fabriano la creación del retablo para la capilla de su familia en la sacristía de la Iglesia de la Santísima Trinidad de Florencia. Según los Uffizi, el retablo es la mejor obra del artista y el "ejemplo más importante de la pintura gótica internacional en Italia".
Las cuatro pinturas muestran el lenguaje visual universal del arte cristiano que trasciende el tiempo, abarca continentes y exalta al cielo.
“Los Cuatro Evangelistas”, 1625-1630, de Jacob Jordaens. Óleo sobre lienzo; 1.34 m x 1.08 m. Museo del Louvre, París. (Dominio público)En los "Cuatro Evangelistas" el pintor flamenco Jacob Jordaens (1593-1678) representó a los hombres estudiando las Escrituras y escribiendo sus Evangelios. Aunque esta pintura no está relacionada con la Natividad, recuerda a los cristianos que debemos vivir según la palabra. Sin duda, ese es el espíritu navideño.
La cita bíblica es de la versión King James
